Ay! Proyecto

ORIGINALIDAD E INCLUSIÓN

Un recorrido por instagram más las imágenes de campañas instaron a averiguar sobre la marca y entrevistar a su realizadora. Ay! Proyecto muestra desde sus visuales una conjunción entre diversidad e inclusión, algo que adquiere particular importancia si hacemos foco en la variada realidad de cuerpos, necesidades y deseos. La búsqueda condujo directamente a Georgina Cecotti, la  impulsora de la propuesta, la cabeza creativa detrás de las prendas. Los inicios de Ay!, el camino desde la divulgación de arte al diseño propio, el presente de la marca, la preocupación por la calidad, los estampes originales y la atención a la diversidad en esta entrevista

-¿Cómo definirías la propuesta de Ay! Proyecto? ¿Qué caracteriza a  la marca?

Georgina Cecotti: Son varios los aspectos que confluyen para definir Ay! Proyecto. Con su amplia variedad de talles, se propone como una marca inclusiva, que no distingue edades ni géneros. La idea es abarcar la mayor cantidad de siluetas.

Otra característica es el trabajo de prendas versátiles atemporales y otras únicas. La calidad es clave en Ay! Proyecto y se materializa en los géneros y en las tecnologías de estampación utilizadas. La meta es optimizar las terminaciones de las prendas para contar con un producto con todo su potencial. Las prendas son hechas de modo colectivo: esa es otra característica central de la indumentaria de Ay! Diversidad y calidad son los conceptos que definen hoy a la marca

-¿Cómo empezaron y en qué lugar se perciben hoy?

G.C. Ay!, comenzó en 2011 siendo una marca de indumentaria de divulgación artística y cultural denominada “Ay! Arte”. En sus orígenes se estampaban prendas con obras pictóricas con el objetivo de compartir los trabajos de artistas reconocidos y de  aquellos que nos conmovían. Cada prenda poseía una etiqueta colgante que brindaba una pequeña biografía de autor. En 2013 hay un quiebre en la marca con la propuesta de realizar colecciones basadas en temáticas que son musas para diseñar estampas propias, ya no de otros artistas. Así, se abordaron conceptos como la melancolía, la Beat Generation, la idea de viajar, el cosmos y la teoría del color y la luz. En estas colecciones, las prendas eran exclusivas; un mismo modelo podía tener distintas estampas, colores y géneros, siendo todas las prendas diferentes

En 2017 hubo un nuevo cambio de paradigma de Ay!. El año pasado se definió que la marca se llamaría Ay! Proyecto y hoy existen dos líneas de trabajo: por un lado, una línea clásica que tiene variantes de color pero modelos que se repiten en variados talles. Son prendas atemporales. Por otro lado, se trabaja en una línea exclusiva, con el uso de pinturas manuales de sublimación, teñidos y estampas propias, logrando como objetivo el diseño de prendas únicas. Si bien la marca fue mutando en sus distintas colecciones siempre mantuvo su esencia

                                           Melancolía (2015) Ph: Pablo Aguirre

Cromática (2016) Ph: Pablo Aguirre

-¿Cómo es ser diseñador emergente en la ciudad de Santa Fe?

G.C.: Hace siete años que emprendí este camino: es un proceso largo, con altibajos que requiere de decisión, constancia y revisión permanente para estar actualizado, reinventarse cotidianamente, no repetirse manteniendo la esencia de lo que se quiere mostrar y compartir con los demás. En la actualidad me encuentro más dedicada al proyecto, es algo de todos los días. Destaco la importancia de contar con colegas para ayudarnos en la comercialización y en la visibilización de lo que hacemos y complementarnos y alentarnos para seguir transitando en este camino en un presente que tiene dificultades económicas

-¿Cómo manejan el tema imagen?

G.C.: La imagen es todo por eso desde Ay! se desarrollan distintas herramientas para lograr impacto e identidad corporativa. Recientemente se actualizó el logo que se aplica en la indumentaria, redes sociales, calcos y tarjetería. Desde el comienzo se trabaja con diferentes fotógrafos profesionales para retratar la atmósfera de las distintas colecciones y desde hace unos meses se incorporaron piezas audiovisuales. La imagen siempre fue un valor y pilar para la marca

-¿Adonde pueden verse, probarse y comprarse las prendas de Ay! Proyecto?

G.C.: Siempre la Diseña (n.de la r.: la entrevistada se refiera a la muestra anual Diseña Santa Fe) es una inyección que me da impulso para seguir adelante y mostrar lo que hago. Durante todo el año, participo de ferias de diseño y mi meta es viajar con mayor continuidad a diferentes puntos del país a eventos y ferias para dar a conocer mi trabajo y nutrirme de nuevas experiencias. En mi casa-taller cuento con un showroom que puede ser visitado con cita previa a través de las redes sociales. También estoy creando una página web que va a tener una plataforma virtual de comercio.

Con otros diseñadores, formo parte del colectivo Nudo que no sólo es un espacio de exposición y venta de nuestros productos (San Jerónimo 3170, martes a viernes de 9 a 12,30 y de martes a sábado de 17 a 20,30 hs.) sino que es una herramienta para fomentar la cooperación entre nosotros, interpelarnos, generar talleres de capacitación, tejer redes, compartir información y datos

    Sueños efímeros (2018) Ph: Joaquin Amaduzzi

                                     Tattoed (2018) Ph: Mauricio Bonadeo

                                      The Future is Female (2018) Ph: Joaquin Amaduzzi

                                 Universo Ay! (2018) Ph Mauricio Bonadeo

LORENA MONTERO (TRIBALY - Entre Rios)

CON UN CIERTO AIRE RETRO

“Crecí a los pies de la máquina Singer a pedal de mi abuela materna. Con los retazos de tela que me daba, vestía a mis muñecas y les diseñaba vestidos que aún hoy conservo”. Lorena Montero, diseñadora, nacida en Paraná y con actual residencia en Oro Verde, relata así el origen de la moda a su vida. Las mujeres de su familia cosían y bordaban, por lo que los conceptos y la práctica vinculados a esta actividad son parte de su herencia. De la experimentación con las prendas confeccionadas en la adolescencia a sus primas pasó en 2003 a la concreción académica de su formación. Ya profesora de historia, en ese año comenzó la carrera de diseño de indumentaria y textil.

Una tesis basada en el estudio de las tribus aborígenes africanas le inspiró el nombre para su marca: Tribaly. Lorena no se atreve a hablar de un estilo propio pero si afirma: “lo que creo tener es una gran influencia de la historia: de las culturas antiguas de todo el mundo, del arte y el bordado…Lo retro sí me define, el bordado a mano es mi sello personal. Amo los colores intensos, los textiles estampados. Todo está presente en mis diseños y colecciones” De los diseñadores nacionales elige a Verónica de la Canal “por sus diseños ultra vintage, románticos pero a la vez extravagantes y desafiantes” y a Roberto Piazza, a quien define como “el mejor diseñador de vestidos bordados a mano. Un genio en lo que hace, cada diseño es una obra de arte”. En su mirada internacional opta por Carolina Herrera “por sus diseños elegantes y cortes simples pero impecables”

Lorena describe su actual localidad de 7000 habitantes como “un paraíso verde, lleno de naturaleza y de paisajes bellísimos”. Cuenta que la inmigración alemana conformó la comunidad alrededor de una estación ferroviaria. “Explico el contexto para que se comprenda mejor lo que es diseñar aquí. Al principio cuando me mudé fui vista como el bicho raro y extravagante que venía de la capital. ‘Una modista cara que hace cosas raras’ pero de a poco la gente comenzó a ver lo diferente como algo llamativo que tal vez usarían, por lo menos algunas”

Su cotidianeidad se desarrolla entre la costura, los diseños y ahora también el dictado de talleres de bordado a mano con técnicas mixtas. Piedras, lana, hilo, crochet son algunos de los elementos que utiliza. “Me encanta mezclar y experimentar con todo lo que se me ocurra”, afirma. Cada temporada prepara mini colecciones de ocho a diez vestidos para la realización de producciones fotográficas y desarrolla el aspecto teórico del diseño a través de sus notas para una publicación digital de moda y tendencias. Las corrientes artísticas, los íconos de la música o el cine de otras épocas son su fuente de inspiración. “Lo que mi imaginación me dicta lo vuelco en mis diseños”

Jean Paul Gaultier en el CCK

MODA CON IDEOLOGÍA

AMOR ES AMOR es el nombre de la muestra que, desde marzo hasta mediados de julio, puede visitarse en el CCK (Buenos Aires). Una celebración del amor igualitario a través de las creaciones de Jean Paul Gaultier es el eje de esta exhibición que fuera concebida desde una colaboración entre el Museo de Bellas Artes de Montreal y la Maison J.P.Gaultier

Treinta y cinco diseños, maniquíes que “hablan” a los visitantes gracias a las técnicas de mapping y morphing y una excelente curaduría, logran la fusión de moda, arte y discurso. En la sala de los Escudos del Centro Cultural Kirchner, la aceptación de la diversidad y el cuestionamiento de estereotipos, propios del diseñador francés, toman forma concreta

“Hay que verle la belleza a todo y derribar las fronteras de los estereotipos físicos” J.P.G

"Cuando la gente dice que la moda es superficial, me enojo” J.P.G.

Fotos: Archivo personal

Guap@ Day 2da.Edición

Lorena Curcho y Guap@ Day 2018

MÁS HORAS, MÁS PROPUESTAS, MÁS VARIEDAD

Lorena Curcho es diseñadora de moda, asesora de imagen y productora. Ella, además, se define como “apasionada por compartir temas y formatos que contribuyen a la evolución de la mujer, el arte, la moda y el emprendimiento”. Lorena también es la gestora y organizadora de Guap@ Day, evento que tendrá su segunda edición los días 21 y 22 de abril en la Residencia Stamati (Av.7 Jefes 4321-Santa Fe). La propuesta, que brilló en 2017 y que promete más para el corriente año, es el eje de esta charla con Curcho

-¿Cómo surgió originalmente la idea de Guap@ Day?

Lorena Curcho: Guapa@Day surgió como una idea un poco más ambiciosa que las producciones que ya venía realizando en materia de workshops sobre imagen y moda. Pensé que sería bueno sumar a las disertaciones que hacía, complementos vinculados como exposiciones fotográficas y desfiles de moda. Así fue como se me ocurrió convocar a profesionales de distintas disciplinas referidas a la moda, belleza, estética y más, para que sean ellos quienes compartan sus conocimientos.

-¿Qué es Guap@ Day? ¿Por qué habitualmente decis que es un evento “inclusivo”?

L.C.: Guap@Day es un evento que reúne disciplinas en materia de arte, moda, estética, tendencias y todo lo que contribuye a vernos y sentirnos bien por dentro y por fuera. Todo esto en el marco de una jornada competa que va desde el mediodía hasta la noche, en la que los visitantes pueden disfrutar de charlas, conferencias y master classes de profesionales de la medicina estética, el coaching, la psicologia transpersonal, marketing, moda, make up, estilismo, y más. Como así también, encontrar una exposición de diferentes artistas plásticos de la región y fotógrafos de moda, lo que da un contexto cultural y contemporáneo al evento. Hay también desfiles de diseñadores emergentes con propuestas para la nueva temporada, stands de marcas, emprendedores, y empresas que presentan sus innovaciones en distintos rubros. Se puede disfrutar de todas las propuestas del evento, y deleitarse con buena música y cosas ricas en el patio gastronómico

Guap@Day es un evento inclusivo porque no apunta a un género o edad determinados. Está pensado para hombres y mujeres de todas las edades y también para toda la familia, ya que este año agregamos un sector para niños. De hecho, se puede leer Guapo Day o Guapa Day, ya que el @ de la marca permite la interpretación indistinta. En nuestra primera edición, tuvimos muchos hombres y muchas mujeres, y el público rondaba en un rango de edad que va desde los 18 a los 70 años. Fue real y felizmente inclusivo

-¿Cuáles son las diferencias en relación con la primera edición?

L.C.: El evento sigue en etapa de prueba piloto. La primera edición superó nuestras expectativas, así que las diferencias en realidad tienen que ver con ir arriesgando y apostando un poquito más. Este año se agregaron a las exposiciones de fotografía, otra de arte, que ya era una idea del año pasado que quedó en stop hasta hoy. También agregué breaks shows de innovación en danza, como el popping dance, danza contemporánea, y body art en vivo. Hay además nuevas propuestas en las conferencias

-¿Qué es lo que te motivó a llevar el evento de uno a dos días?

L.C.: Lo que me motivo a llevar el evento a dos días, fue el arduo trabajo que requiere semejante producción. Desde convocar y coordinar a los disertantes de las conferencias, generar los espacios de stand, cubrir los costos fijos, convocar a los artistas, fotógrafos, diseñadores, ambientar y velar por que cada detalle este perfecto a difundir, publicitar y mucho más que no se ve hasta ese día en que se abren las puertas. Entonces pensé, este evento tiene que ser dos días para que lo aproveche toda Santa Fe. El domingo es un día que la gente tiene libre para distenderse y creo que los trabajadores de Santa Fe, Paraná y alrededores merecen disfrutar de una jornada como es Guap@Day.

-¿Cuáles son tus expectativas con relación a esta edición y al futuro de la propuesta?

L.C.: Mis expectativas en cuanto a esta edición giran en torno a que el público reconozca a Guap@Day como una marca, que sepan que cada vez que se realice una nueva edición van a encontrar innovación, tendencia, arte, moda, y disciplinas que hacen a vernos y sentirnos bien, todo en un mismo lugar. Vamos a recorrer distintas ciudades con el evento, y digo vamos, porque si bien soy la productora de esta maravillosa propuesta, tengo un equipo que es parte activa y fundamental en la realización. La unión hace la fuerza, y aprendí que si nos ayudamos en nuestros sueños vamos a llegar más lejos. Así se trabaja en Guap@Day, con pasión, con amor, compañerismo y planes a largo plazo.

Joyería Artesanal Argentina

GINGER&Co.

SIMPLE ORIGINALIDAD

GINGER&Co. es una marca de joyería artesanal, nacida de la imaginación, capacidad y talento de Jennifer Grinberg. Después de estudiar diseño textil en la UBA y trabajar en empresas de indumentarias, surgió en ella la “necesidad de explorar soportes distintos”. Afirma que del mundo de la moda recibió “experiencia, visión y orden”, conceptos que en la práctica actual utiliza en su emprendimiento. La página gingerco.com.ar exhibe piezas modernas y minimalistas producto de  un trabajo manual de orfebres y un diseño argentino. Una conjunción de la que surgen preguntas que aquí Jennifer responde:

-¿Cuáles son los materiales utilizados  y por qué los elegiste?

-La elección depende de la colección y la búsqueda del momento. Actualmente utilizo la plata porque me permite hacer piezas que duren en el tiempo. Además, el material es realmente muy hermoso y dúctil a la hora de trabajar en el taller

-¿Qué característica especial pensás que tienen tus diseños?

-Espero lograr que los diseños sean bellos, simples y también interesantes. Que sean familiares y extraños a la vez.

-¿Qué referencias tenés al momento de diseñar?

-Me encanta explorar la forma, es lo que más me gusta a la hora de diseñar. Trato de confiar cada vez más en la búsqueda creativa que existe al hacer un prototipo. Llego al taller con un bagaje enorme de experiencias e imágenes. Pero cuando trabajo en algo nuevo, intento llegar a lo más auténtico y eso sólo lo logro cuando me olvido de las referencias y me dejo llevar. Se activa algo, más inconsciente, del mundo de las emociones y no tan racional.

-¿Cuáles son, a tu entender, las piezas emblemáticas de la marca?

-La más emblemática es la esclava en U, con forma de herradura. Se está transformando en un clásico de la marca

-¿Qué marca/s de joyas (nacional o internacional) te resulta/n interesante/s?

-Me gustan las piezas de la argentina Mora Lasnier. Y en el panorama internacional admiro el trabajo de Anne Manns, entre otros tantos

-Mirando la página de la marca y la cuenta de instagram he notado que hay algunos diseños clásicos y algunos muy particulares e innovadores. ¿Es correcta esa apreciación?

-La idea es generar piezas que acompañen el cuerpo, que se amolden a distintos usos. Algunas para usar todos los días, livianas y cómodas y otras para momentos especiales. En todas me interesa que exista el elemento sorpresa que interpele al usuario

//Las piezas de GINGER&Co.se pueden comprar en la tienda online www.gingerco.com.ar y conocer personalmente en un showroom de Nuñez o en la tienda de diseñadores, Panorama//

#CalzadoArgentino ANTES MUERTAS

ANTES MUERTAS

CLÁSICO Y ROMÁNTICO

Paula y Valeria Pontiliano son hermanas. Las dos son profesionales egresadas de la UBA. La primera con el título de ingeniera y la segunda con el de arquitecta. Pero Paula además estudió Master in Business Administration en Estados Unidos, lo que generó una distancia física de cinco años entre ambas a la que se puso fin con un emprendimiento en común. “Nuestro sueño -cuenta Paula Pontiliano- era poder combinar nuestra pasión por la moda con un proyecto que nos mantuviera más unidas que nunca”. Así surgió en 2015 ANTES MUERTAS

Según explica Paula, la marca por ellas creada conjuga todo lo que les gusta en un calzado y no encontraban en las propuestas locales: “zapatos divertidos, con personalidad, ultra femeninos y elegantes”. De las reseñas surge que Valeria es una apasionada del diseño  y que su formación académica le brinda herramientas para generar, con su creatividad y experiencia, piezas románticas. Mientras que Paula, con la influencia de las calles neoyorquinas y de sus diseñadores favoritos (Alexander McQueen, Marc Jacobs y Valentino) pone elegancia y particularidad a las creaciones

El nombre de la firma tiene orígenes musicales. “Antes muerta que sencilla es una canción española que se lanzó en 2004 -relata Paula- En ella, María Isabel una niña de 9 años, habla sobre todo lo que se pone encima para embellecerse (perfumes, cremas, rímel, ropa) sin importar lo que digan los demás” La expresión se convirtió en latiguillo común para las hermanas y un clásico en las compras y pruebas de looks “era como decir: nos ponemos todo encima y no nos importa nada porque nos encanta y nos hace feliz”

Paula destaca el carácter diferente, la importancia de los detalles y el no seguir las tendencias del mercado local en el calzado de Antes Muertas. “Nuestras clientas compran un calzado de calidad 100% de cuero, bien femenino y que no van a encontrar en ningún otro lugar”. ¿A qué mujer está dirigida la marca? “No hay edades ni estilos, ya que diseñamos piezas para todas”, asegura. Ante la pregunta sobre la tarea de creación y sus resultados, afirma: “Durante el proceso del muestrario nos aseguramos de quedar satisfechas con cada uno de los modelos. Somos muy exigentes y al finalizar cada muestra nos preguntamos: ¿Compraría yo este zapato? ¿Lo usaría? Si la respuesta es no o no estoy segura, entonces no lo llevamos a producción. En todo este tiempo hemos desarrollado decenas de diseños que no lanzamos porque queremos que cada pieza de la colección sea especial”

En cuanto a colores de preferencia en las creaciones, las diseñadoras se reconocen ”bastante tradicionales“. Las tres tonalidades básicas para Antes Muertas son nude, tostado y negro, a los que suelen agregar básicos como el rojo y el azul. “Preferimos ofrecer tonos clásicos para que nuestras clientas las puedan combinar fácilmente -aclara Paula- pero sumamos materiales como glitter, apliques metálicos o piedras para poner diversión a los diseños”.

Entre los proyectos, el más próximo incluye una mudanza en búsqueda de mayor espacio y ubicación estratégica. “El 1ro.de marzo reabrimos nuestras puertas en Gurruchaga 1060, Palermo. El lugar es parte de un nuevo complejo de locales y hotel boutique y está a sólo 6 cuadras del centro de Palermo Soho”. Una planta baja espaciosa para el showroom y un segundo piso para oficina y preparación de pedidos on line dan forma física a la propuesta de cambio. “Queremos que todo el equipo de Antes Muertas esté trabajando en la misma locación y fomentar un clima laboral agradable con buena comunicación e idea de equipo” Hacia fin de año, las hermanas tienen puesta la mira en la incorporación de una línea de carteras.

Por ahora una nueva colección otoño invierno 2018 tiene como tema el Romanticismo Retro. “Nos inspiramos en la moda de los años 60 con diseños aún más románticos -dice Paula- Los moños y las piedras son los protagonistas de la colección”. Un anticipo de lo que ya se viene puede encontrarse desde el 20/2/18 en la web de la marca: www.antesmuertas.com.ar Pasen y vean

CRONICASDEMODA.COM

CRÓNICAS DE MODA

UNA PARTICULAR MIRADA

Somos tu notificación para #VestirPrendaArgentina reseña la bajada del anuncio del link que conduce a Crónicas de Moda (cronicasdemoda.com). En un 2018 que marcará la llegada de su tercer aniversario, el sitio web busca afianzarse en el mercado de las publicaciones de moda. Su gestora y responsable, la periodista Celeste Nasimbera, deja en claro que la suya y la del equipo que la acompaña es una mirada 360. Un medio digital más redes que invitan a llegar a él. Comunicación siglo XXI para un tema con larga historia y muchas aristas. Moda y diseño son los ejes de esta propuesta sostenida por mujeres jóvenes que no temen al riesgo de enfrentar preconceptos para contar la sociedad a través de esos tópicos

“La moda es una conjunción de todo lo que me interesa, es una gran excusa para hablar de cine, de feminismo, de arte, de la sociedad”. Así comienza Celeste (santafesina aporteñada como ella misma se define) su relato vincular con el concepto que guía el proyecto. Relata que Crónicas de Moda nació en el período de su carrera entre 90+10 y Harper’s Bazaar Argentina (dos publicaciones a las que estuvo profesionalmente vinculada). El trabajo en redes de medios, cambió la visión de Celeste. “Mi rutina era saber qué se iba a publicar en la semana en el sitio, controlar que se haga y ver cómo distribuir ese contenido en las redes para generar tráfico. Yo tenía acceso a todas las llaves de información del sitio. Sabía por las estadísticas cómo funcionaba, que notas se leían, cuando y donde y eso era parte de la estrategia. Entonces, empecé a pensar los proyectos desde una visión 360, como los pienso hoy”

Un viaje a Europa (febrero 2014) y la cobertura profesional de London Fashion Week, ayudaron a la gestación de lo que terminó siendo Crónicas de Moda. “En ese momento me pareció que estaba bueno empezar a pensar un proyecto personal. No me interesaba trabajar desde la primera persona ni desde el me gusta y no me gusta. La gente tiene el preconcepto de que el periodismo de moda se dedica a decirles a las personas cómo se deben vestir. Y no es así”. Lo que Celeste quería era un abordaje periodístico y desde un medio. Un medio propio que pudiera servir de base y plataforma para sus notas. En septiembre de ese año dejó su carga full time como coordinadora del sitio de 90+10 y pasó a trabajar como free lance. Por entonces se desempañaba también en Distrito Arte y el tiempo extra era de efervescente creación. “Fueron 6 meses en los que me dediqué a armar Crónicas: pensar cómo iba a ser, como se iba a llamar, a quien iba a apuntar, como sería el logo, la gráfica, las secciones. Todo eso lo pensé sola. Lola Monteiro (productora de moda, con estudios de diseño de indumentaria y actualmente en la carrera de diseño gráfico) me ayudó a llevar adelante la parte visual del sitio”. Ya estaban las dos mujeres jóvenes como pilar del proyecto al que sumarían a Agustina, fotógrafa, y se completaría, en principio, con el profesional contratado para el desarrollo de la web. Dave sigue trabajando con ellas y es quien debe hacer los cambios cuando los deseos de Celeste así lo define.

“Lo pusimos on line el 6 de abril de 2015 y ya tenía casi 20 notas cargadas”, relata Celeste quien se interesa en diferenciarlo de un blog y aclarar que es un sitio, un medio. “Hubo cosas que se fueron definiendo en el hacer -continúa- Crónicas de Moda empezó a tomar forma e identidad en el mientras tanto. A diferencia de un medio tradicional que ya tiene un contrato de lectura y una forma de hacerse, Crónicas necesitó ir ajustándose”. Celeste, quien tiene muy claro que es CdM, cuenta que en la previa compró todas las revistas de moda y vio todo: lo que había y lo que faltaba. “Así fui armando la contra agenda que llevamos en Crónicas que tiene que ver con cubrir lo que otros medios no cubren o si lo hacen, mostrarlo desde otro lugar”. En CdM el equipo está integrado exclusivamente por mujeres. “Tenemos colaboraciones puntuales de hombres que sólo llegan en calidad de invitados”

¿Qué es Crónicas de Moda? “Es un sitio web -responde Celeste- un medio de plataforma digital que lo que hace es reseñar todo lo que es moda y diseño argentino original. Buscamos lo que es interesante y atractivo y no tiene visibilidad suficiente como para estar reflejado en los grandes medios. También tenemos una agenda con cine, lectura, música que en un punto toca la misma sensibilidad de esos diseñadores emergentes”. Las redes: facebook, twitter y principalmente instagram son canales a través de los cuales pretenden que el lector llegue al medio. “No me interesa hacer periodismo en 140 caracteres -aclara- Lo que buscamos es que la gente sepa que hay un sitio que se llama Crónicas de Moda, lo encuentre y lo lea”.

Si bien el eje de Crónicas de Moda es el diseño y la industria nacional, nada de lo que refiera a la temática a nivel internacional le es ajeno. En 2017 por primera vez, y con la realidad del cierre de varias revistas especializadas en su edición argentina, CdM se lanzó a las coberturas internacionales. También fue producto del crecimiento del medio, del interés y las posibilidades. Celeste ya conocía ese terreno por sus notas para las publicaciones en las que había trabajado. “Era importante que parte del equipo de Crónicas pase por esa experiencia; que todas aprendamos a hacer y ejercer la profesión”. Así, cubrieron London Design Week, London Fashion Week y desfiles en Paris. “En los viajes hay aprendizaje. La comunicación está cambiando mucho. Todo se retroalimenta y los viajes son super inspiradores. Te dan otras herramientas de trabajo. Es una capacitación permanente”

El equipo detrás de CdM tiene a su vez una consultora: Hilandera, que oficia de sostén económico del emprendimiento todo. “Nosotras trabajamos como asesoras de comunicación. Generamos estrategias de comunicación, de redes sociales, coberturas, sitios web, contenidos. Las mismas herramientas que trabajamos en Crónicas las hacemos a pedido y a medida para distintos clientes”. Desde Hilandera el equipo trabaja con cuentas de nicho y vuelve a aparecer en la charla la importancia de la capacitación que dan los viajes y el lugar que ocupa CdM. “Nosotras tenemos que estar al día sobre las tendencias en términos de mercado. Crónicas es nuestra vidriera, la que nos permite desarrollar un montón de estrategias y mostrar lo que somos”

CELES NASIMBERA

“Hay una idea fuerte y arraigada de que quienes trabajamos en moda comunicamos algo frívolo. Eso es un preconcepto que no tiene que ver con la totalidad que implica el periodismo de moda. Hay que entender que detrás de cada proyecto de moda hay fuentes de trabajo y en cada colección una cadena de valor muy alto. Yo no creo que haya algo malo en el disfrute estético. Además la moda es un reflejo de la época. Para mí el periodismo de moda es un servicio. El preconcepto negativo es una mirada muy chica de un sistema que genera fuentes de trabajo y satisfacción en muchas personas”

Fotos: gentileza Crónicas de Moda